Выставка «Отечество мое – в моей душе…» в ГМИИ им. Пушкина (Москва)

Выставка «Отечество мое – в моей душе…» в ГМИИ им. Пушкина (Москва)

Где:

Москва,
Впервые в России в рамках XXXIII Международного музыкального фестиваля «Декабрьские вечера Святослава Рихтера» в ГМИИ им. А.С. Пушкина представлены произведения русского и западноевропейского искусства конца XIX - XX века из собрания Музея искусства авангарда (МАГМА).

Впервые в России в рамках XXXIII Международного музыкального фестиваля «Декабрьские вечера Святослава Рихтера» в ГМИИ им. А.С. Пушкина представлены произведения русского и западноевропейского искусства конца XIX - XX века из собрания Музея искусства авангарда (МАГМА).

Музей был создан в 2001 году по инициативе Вячеслава Кантора, президента Европейского еврейского конгресса, известного международного общественного деятеля, предпринимателя и филантропа, активно участвующего в продвижении идеалов толерантности, являющейся основой социальной стабильности в мире.

Выставка произведений всемирно известных художников из собрания МАГМА - яркий пример воплощения идей толерантности, взаимодействия национальных художественных школ и взаимопроникновения культур. Для названия выставки неслучайно была выбрана знаменитая цитата из стихотворения Марка Шагала «Отечество мое – в моей душе…». Именно она выражает ключевую идею концепции данного проекта: где бы ни был человек в стремительно меняющемся мире, он везде дома.

На выставке представлено 100 произведений известнейших мастеров живописи, графики, скульптуры, создавших уникальный художественный мир, в котором нашли отражение особенности мировосприятия и многовековые национальные традиции. Экспозиция состоит из нескольких частей, каждая из которых посвящена определенному периоду в истории искусства.

Произведения, размещенные в Белом зале, представляют два периода: искусство рубежа XIX – XX веков и искусство первой трети ХХ века. Экспозицию открывает легендарное полотно прославленного художника-передвижника Ильи Репина «Парижское кафе», созданное 1874 – 1875 годах -  раньше, чем за аналогичные сюжеты взялись знаменитые импрессионисты О. Ренуар и Э. Мане. Русский Серебряный век представлен такими звездами мирового театрально-декорационного искусства, как Лев (Леон) Бакст (Розенберг) и Валентин Серов. С их именами связаны первые сенсационные успехи «Русских сезонов» Сергея Дягилева на сцене парижского театра «Шатлэ». Л. Бакст создал декорации и костюмы ко многим спектаклям «Сезонов». На выставке представлены его  эскизы костюмов к балету «Нарцисс» (1911) на музыку Н.Черепнина. В круге творческих интересов мастеров той эпохи активно присутствовала античная культура. И если у Бакста она воплотилась в  образах, созданных для театра, то Серов, обращаясь к греческому мифу в картине «Похищение Европы» (1910), обретает в нем ту первозданную целостность и гармоничность бытия, которых не хватало людям в начавшемся бурном и суетном ХХ столетии. Лирико-романтическую сторону русской живописи представляют работы Зинаиды Серебряковой и Савелия Сорина.

Изменение общественного сознания способствовало поиску новых форм в искусстве, нового изобразительного языка. Фольклорно-примитивистский фундамент стал основой для уникального феномена мировой истории искусств – русского кубофутуризма в его многочисленных вариациях. Натан Альтман, Роберт Фальк, Давид Штеренберг, Эль Лисицкий – мастера, начавшие творить в этот сложный период эволюции авангардных направлений в России. Картина Н. Альтмана «Еврейские похороны» (1911) создана на один из архетипических сюжетов европейского искусства. Художник передает необратимость хода времени. По-своему метафизичны работы Давида Штеренберга и Роберта Фалька. На выставке представлена работа «Церковь (зеленая)» (1912) Р. Фалька и «Натюрморт с арбузом и булкой» (1925) Д. Штеренберга, а также его «Автопортрет в серой шляпе», который написан в другое время, в 1931 году, когда Фальк жил и работал в Париже. Творчество Эля Лисицкого представлено редчайшим экземпляром книги «Сихат Хулин» («Пражская легенда»), выполненной наподобие Торы в виде свитка, изданной литографским способом с авторской раскраской. 

«Парижская школа» - интернациональное сообщество художников нескольких поколений, прибывших в Париж в 1900-е - 1920-е годы из разных стран Европы и Америки - представлена работами самых ярких ее представителей: Марка Шагала, Амедео Модильяни и Хаима Сутина. 

Как и многие другие эмигранты из России, Марк Шагал провел в Париже первую половину 1910-х годов, стал здесь известен. Его творчество органично связано с мифологически-фольклорной традицией древней еврейской культуры. Полотно «Видение. Автопортрет с музой» (1917-1918) написано в Витебске, вскоре после окончания Первой мировой, но оно наполнено воспоминаниями о парижской жизни. Преисполнена несравненной лиричности и другая работа мастера – «Белла с букетом анемонов» (1926), представленная на выставке. Картина создана в первые парижские годы после окончательного обоснования Шагала во Франции в 1923 году. Яркие акценты красного, розового, зеленого, а также окружающие букет большие плоскости фиолетового и глубокого синего – все вместе придает работе не просто изысканно-нарядный, но и торжественный характер, возвышающий ее изначально камерное, лирическое звучание до высот истинного преклонения перед единственной и неповторимой любимой женщиной мастера.

Амедео  Модильяни и Хаим Сутин, прибывшие в Париж из разных окраин Европы - два таких внешне непохожих художника, оказавшиеся соседями в знаменитом «Улье» - стали близкими друзьями. Живопись Модильяни поражает своей отточенностью, стройностью и вытянутостью пропорций фигур людей, утонченной чувственностью женских образов. Примером тому служит «Портрет девушки в черном платье» (1918), представленный на выставке. Живопись Хаима Сутина не менее притягивает своей энергетикой, и особой внутренней драматичностью, даже трагичностью, искажающей очертания фигур и лиц в портретах, сосудов и мертвой дичи в натюрмортах;  деревьев и домов – в пейзажах. Это отрешенно-печальный «Кондитер» (1922-1923), скорбная «Женщина в зеленом» (1920-1921), знаменитые «Натюрморт со скатом» (1923--1924) и «Освежеванная туша» (1924). Экспрессивные пейзажи прованского городка - «Красная лестница в Кань-сюр-Мер» (1923—1924), «Улица, г. Кань» (1924) и «Пейзаж в Кань-сюр-Мер» (1924-1925) завораживают своим спиралевидным внутренним пространством. Оно искажает очертания  домиков, искривляет направление улиц и превращает красные ступеньки на одной из них в подобие ветхозаветной «лестницы», соединяющей землю и небо. Кроме того, в этом разделе экспозиции показаны большое панно Ладо Гудиашвили 1925 года с элементами виртуозной стилизации, экспрессионистичной и меланхоличной по духу, абстрактные композиции Сони Делоне, среди которых легендарная «Проза транссибирского экспресса и маленькой Жанны Французской» (1913), скульптуры «Невольник» (1922) Осипа Цадкина и «Арлекин с аккордеоном» (1919) Жака Липшица, произведения Наума Габо, Натана Певзнера и Луизы Невельсон.

Значительная роль в истории искусства России ХХ века по праву принадлежит Александру Тышлеру – мастеру уникальному. В собрании МАГМА находится несколько его работ, созданных в разные периоды в разных техниках и даже видах пластических искусств. Самые ранние работы художника в собрании музея – знаменитые программные полотна «Директор погоды» и «Наводнение» 1926 года, имеющие символико-аллегорический смысл.  Поэтична и его композиция № 5 из «Лирического цикла» 1928 года. Из послевоенных произведений Тышлера на выставке демонстрируется «Девушка с натюрмортом» (1955). В этой работе мифотворческий дар художника, который всегда был тесно связан с миром театра, обретает новую форму. Мастер соединяет фольклорное начало с утопическим методом мышления: он возводит настоящие «воздушные замки» и роскошные натюрморты над головами своих прекрасных безымянных героинь. Праздничная атмосфера, которая всегда присутствовала в работах Тышлера даже в период самых темных времен отечественной истории, обретает второе дыхание.

В разделе «Искусство второй половины ХХ – начала XXI века» зрители смогут также познакомиться с работами целой плеяды художников-нонконформистов, которые открыли новую страницу в истории, и с картинами западноевропейских мастеров второй половины XX века.

Нонконформизм не был единым течением и не провозглашал никаких идеологических целей и программ. Принадлежность к кругу неофициального искусства никак организационно не оформлялась. Художники отстаивали свое право работать, создавать  произведения по собственным эстетическим и философским принципам. Они опирались на опыт отечественного авангарда первой трети ХХ века или современных течений зарубежного искусства и при этом использовали самые разные стилистические и технические приемы – от экспрессионизма и кубизма до абстрактного экспрессионизма и поп-арта. Это, прежде всего, работы художников,   чье творческое становление пришлось на период «оттепели» начала  1960-х годов: Владимира Вейсберга, Михаила Шварцмана, Эдуарда Штейнберга, Владимира Яковлева и другие. Их система ценностей сама по себе уже выглядела как диссидентский, нонконформистский жест.

Одним из таких оригинальных мастеров, активно работавших в конце 1950-х – 1990-х годах, является Дмитрий Лион. Его многочисленные графические работы  составляют уникальную художественную вселенную, отличительная особенность которой - минимализм выразительных средств. Текстовые фрагменты, часто нечитаемые, являются частью изображения, раскрывая единую природу рисунка и письма.  Зритель сможет увидеть такие произведения мастера, как «Предвидеть – значит помешать» (1959), «Стена» (1959), «Апокалипсис» (1959) и другие.

Владимир Вейсберг – один из самых загадочных мастеров этого круга. Легкое сфумато, своеобразная полупрозрачная дымка, окутывающая предметы и фигуры на изысканных холстах мастера, придает каждому из них поэтический  характер. Самая ранняя по времени картина художника в этой коллекции – «Портрет А. Гинзбурга в гипсовой повязке» (1960): с помощью мелких точечных мазков он создает эфемерный образ человека. Художник на глазах у зрителя выстраивает собственные пространственные модели в «Натюрморте с ракушками» (1969), в «Композиции с четырьмя кубами» (1975) и других произведениях. Серебристо-серая гамма растворяет четкие очертания предметов, превращая их в легкие призрачные  видения.

Другой нонконформист Владимир Яковлев соединил в своих произведениях («Рыба» (1974), «Голова зверя» (1974) и др.) дух наивного, почти детского мировосприятия с весьма экспрессивной авторской манерой и архетипически-метафизическим смысловым наполнением порожденных его фантазией образов.  

В коллекции присутствуют и работы Эдуарда Штейнберга – одного из самых последовательных представителей современной геометрической абстракции. «Композиции» 2000 и 2001 годов сопоставляют плоские геометрические фигуры локальных цветов по принципу наложения одних на другие или расположенности одних около других. Светлые и темные тона гармонично соседствуют и сочетаются друг с другом, создавая каждый раз неповторимые ансамбли. 

В экспозиции также представлены произведения Михаила Шварцмана 1957-1980-х годов. Это  работы из знаменитого цикла «Иературы»: от ранних - «Стакан воды» (1957), «Флейтисты» (1958), «Мама» (1962—1963) до более поздних – «Гефсимания» (1976), «Крылатое сердце» (1977-1978).

Классик советского искусства Дмитрий Жилинский, для которого творческим ориентиром, примером высокой красоты служит искусство прошлого, представлен одной работой «Человек с убитой собакой», являющейся повторением известной композиции из Третьяковской галереи и выполненной специально для музея МАГМА в 1999 году.  

Важную и значительную  часть собрания музея МАГМА составляют произведения мастеров-концептуалистов, которые демонстрируют многообразие концептуализма внутри неофициального искусства в позднем СССР и в постсоветской России. В частности, на выставке представлено несколько работ   Эрика Булатова. Это и ранний «Портрет Ольги Андреевой» (1966), и концептуальный «Русский ХХ век» (1990), где вертикаль устремленной к небу колокольни-ракеты является своеобразной позитивной альтернативой трагическому горизонтальному ландшафту.

Имя художника Ильи Кабакова  стало своего рода символом, сделавшим концептуализм одним из самых заметных отечественных «трендов» в мировом художественном пространстве второй половины XX века. Главный эстетический прием концептуализма – ироническая рефлексия художника по разным поводам, тонкая интеллектуальная игра с банальными и небанальными знаками и символами в широком диапазоне от социальной и политической жизни до различных явлений истории искусства – в творчестве Кабакова достиг своих кульминационных моментов. Этот прием великолепно продемонстрирован в двух знаковых для художника работах 1982 года – «Аллея (Тропинка)» и «Жук».

В экспозиции представлены живопись и скульптура Виктора Пивоварова, одного из самых интересных концептуалистов. Отталкивающийся от открытий сюрреалистов и мастеров «метафизической живописи», с одной стороны, от стилистики комиксов и детских иллюстраций – с другой, он создает загадочные и занимательные образы. На выставке представлено 8 произведений художника, среди которых картины «Триптих со змейкой» (2000-2001), «Мокрые волосы» (2012), а также трехмерные ассамбляжи 2010 года из серии «Стеклянные» - «Смотри вверх!», «Задумчивый», «Между змеей и кроликом» и другие.

Кроме того, на выставке экспонируются произведение  «Художник и модель» (1993) Владимира Янкилевского и скульптурный объект «Яков и Ангел» (1995) Гриши Брускина.

Западноевропейское искусство второй половины XX века представлено ранней работой Марка Ротко «Портрет Джо Лиса» и двумя картинами британского художника Люсьена Фрейда – «Засыпающий Ги» (1981-1982) и «Али» (1974).

Выставка «Отечество мое – в моей душе…», представленная в ГМИИ им. А.С. Пушкина, станет настоящим рождественским подарком для всех ценителей искусства. Она позволит российскому зрителю по-новому взглянуть на творчество уже известных авторов, а также открыть для себя новых мастеров, которые не только сохранили свою самобытность, но и оказали огромное влияние на мировой художественный процесс.